Como pinturas em pequena escala se tornaram a grande nova tendência do mundo da arte

Uma revolução silenciosa na pintura é ver os artistas rejeitarem instalações bombásticas em grande escala em favor de temas e técnicas íntimos.

A reação mundial contra o globalismo assume muitas formas, a maioria delas menos dramática do que o Brexit. No mundo da arte, tem surgido uma tendência para pinturas pessoais, íntimas e, às vezes (mas nem sempre) em pequena escala. Este novo trabalho não tem quase nada em comum com as instalações de mídia mista exageradas, que ocupam espaço e que o crítico Peter Schjeldahl descreveu em 1999 como “arte de festival” - feitas para as feiras de arte comerciais que proliferaram internacionalmente por quase duas décadas. Museus e galerias comerciais se atropelaram na pressa de seguir o exemplo, construindo novos espaços enormes para acomodar a instalação e a arte performática. Tudo ficou maior e mais público, ao que parecia, e muitos artistas foram atraídos para produzir o tipo de trabalho que preencheria os novos espaços e atenderia ao apetite de novos colecionadores vorazes. Mas a arte não se move em uma direção apenas, e uma reação era esperada.

No final da década de 1990, muitos jovens artistas que achavam que os campos da pintura e da escultura estavam superlotados encontraram uma maneira de contornar isso por meio do vídeo e do trabalho performático. “Os artistas mais jovens estão sempre em busca de novos caminhos, e muitas vezes esses caminhos são mais fáceis de encontrar em áreas que não estão necessariamente aos olhos do público”, disse Sir Nicholas Serota, da Tate, o diretor de museu mais influente do nosso tempo. “Não me surpreende nem um pouco que as pessoas estejam sentadas em estúdios fazendo arte íntima, confessional e pessoal neste momento.” Como se para enfatizar o ponto, a James Cohan Gallery de Nova York recentemente apresentou uma exposição chamada 'Intimismos', com a maioria pequenas pinturas figurativas de 26 artistas, alguns antigos e outros novos.

Entre os que trabalham nessa linha estão os pintores Genieve Figgis, Shara Hughes, Sadie Laska, Anna Glantz, Katherine Bernhardt e Ryan Nord Kitchen. Um exemplo marcante é Njideka Akynyili Crosby, de 33 anos, vencedora do Prix Canson, um prêmio anual para trabalhos em papel de um artista com menos de 50 anos. A cerimônia de premiação ocorreu em junho no Drawing Centre no SoHo, onde trabalho dos cinco finalistas estava em exibição. Njideka, alta, bonita, calorosa e um pouco nervosa com o anúncio que se aproxima, personifica a empolgação e a energia positiva que vem da Nigéria atualmente, que está profundamente presente em seu trabalho.

Njideka Akunyili Crosby

Njideka Akunyili Crosby

Foto: Cortesia de Paul Mpagi Sepuya



Njideka mudou-se para os Estados Unidos em 1999, quando tinha dezesseis anos. Ela se formou em Swarthmore, obteve seu M.F.A. formada em Yale, era uma artista residente no Studio Museum no Harlem e agora vive com seu marido americano (que freqüentemente aparece em seu trabalho) em Los Angeles. Suas pinturas de colagem (acrílico, lápis de cor, carvão, transfer) são realistas e altamente pessoais - interiores domésticos com família e amigos, cenas lembradas de sua infância na Nigéria, retratos e naturezas mortas. Muitos incluem imagens tiradas de revistas, anúncios, suas próprias fotografias e look-books de moda em Lagos. A interação sutil de figuras humanas em seus quadros densamente padronizados reflete o trabalho de Malick Sidibé, o grande fotógrafo malinês.

Suas imagens são atraentes, decorativas e também profundamente emocionais. Njideka, que trabalha devagar e produz muito poucas pinturas, não tem uma galeria americana e não quer uma agora. Acabou de ingressar na conceituada Victoria Miro Gallery, em Londres, onde terá a sua primeira individual europeia em Outubro. Seu objetivo não é preencher grandes espaços ou deslumbrar o público em feiras de arte, mas pintar em silêncio, sozinha em seu estúdio em Los Angeles.

Njideka Akunyili Crosby

Njideka Akunyili Crosby

Foto: Cortesia de Njideka Akunyili Crosby e Craig Robins Collection, Miami / © Njideka Akunyili Crosby

Shara Hughes, que nasceu em Atlanta, é graduada de 35 anos pela Rhode Island School of Design. Ela pinta em um pequeno estúdio sem janelas em Greenpoint, Brooklyn. Uma visita lá revela uma sala repleta de paisagens de fantasia coloridas e descontroladamente idiossincráticas. Ela está vestindo um macacão e uma camiseta branca e tem várias tatuagens discretas - um sol e uma lua em seu pulso direito e um cubo vermelho 3-D em seu antebraço esquerdo. “Lembro-me de desenhar aquele cubo quando era criança, repetidamente, e perceber que podia fazer um espaço tridimensional”, diz ela.

Questionada se ela está percebendo um movimento recente em direção à intimidade na pintura, ela diz: “Sempre trabalhei assim, mas não estava na moda até agora. Acho que ver a mão de alguém no processo é voltar - aquele toque individual. A comunicação hoje em dia é feita apenas por telefone e pela Internet, e pode haver algum tipo de busca por algo mais pessoal. ”

Shara Hughes

Shara Hughes

Foto: Cortesia de Shara Hughes e Rachel Uffner Gallery

Existem quatro pinturas grandes (60 polegadas por 52 polegadas) e mais de uma dúzia de médias e pequenas nas paredes. Uma grande tela chamadahora mágicaé uma paisagem exuberante e semi-abstrata vista através de uma moldura de pinceladas vagamente pintadas. Ele prende o olho do visualizador e o suga para dentro da imagem, cada vez mais fundo. “Eu estive pensando sobre a hora do dia em que o sol nasce ou se põe em alguns minutos, apenas derrete dentro e fora da paisagem, e a cor está sempre mudando. É sobre capturar aquela hora mágica. ”

Uma mostra das 'paisagens psicológicas' de Shara, como ela as chama, apareceu no início deste ano na galeria Marlborough Chelsea em Nova York. oVezesRoberta Smith descreveu-os como 'um pouco como cachorrinhos: barulhentos, incautos e frequentemente irresistíveis'. Várias galerias perceberam e fizeram ofertas, e ela recentemente decidiu ir com Rachel Uffner, no Lower East Side de Manhattan. Canadá, Jack Hanley, Nicelle Beauchene e várias outras galerias nesta área e no Brooklyn mostram pinturas do que poderíamos chamar de novos Intimistas.

Como muitos artistas mais jovens, Shara admira profundamente o trabalho de Dana Schutz - uma pintora que nunca sucumbiu ao canto de sereia da 'arte do festival'. (Outros que vêm à mente são Carroll Dunham, Peter Doig, Chris Ofili, Cecily Brown, John Currin e Elizabeth Peyton.) “Dana veio e falou para minha classe na RISD quando eu estava lá”, lembra Shara, “e foi a primeira vez que achei que não havia problema em pintar o que você quisesse e possuí-lo. ” Schutz, cujo trabalho ajudou a abrir o caminho para grande parte da pintura íntima e honesta que estamos vendo agora, disse-me que está impressionada com a maneira como 'Shara está disposta a pegar experiências pessoais e colocá-las no trabalho'. Dana também mencionou ter visto uma pintura da artista britânica Lynette Yiadom-Boakye. “Tinha aquela intimidade da qual estamos falando”, disse ela. “Você pode sentir a pessoa por trás disso, e o toque, e a proximidade. É ótimo quando você vê um trabalho assim. ”

Shara Hughes

Shara Hughes

Foto: Cortesia de Shara Hughes e Rachel Uffner Gallery

Harold Ancart, um artista belga de 36 anos que mora no Brooklyn, fez uma exposição este mês na Menil Collection em Houston chamada “Road Trip”. É composto por 27 pequenas obras que ele fez com uma vara de óleo no papel durante uma viagem de cross-country em seu Jeep Grand Cherokee. O porta-malas do jipe ​​era seu estúdio - de vez em quando, ele parava na beira da estrada 'no meio do nada', saía e fazia uma pintura.

Harold se lembra de ouvir na La Cambre, a escola de arte de Bruxelas que frequentou, que 'a pintura está morta, a escultura está morta, tudo está morto', diz ele por telefone de Los Angeles, onde passa o verão trabalhando em um estúdio de jardim ao ar livre. “Você deveria fazer algum tipo de trabalho político estranho, pós-conceitual, e foi terrível. Eu pensei: espere um minuto; isso não pode ser verdade. Uma das razões pelas quais vim para os EUA foi porque pensei que as pessoas aqui iriam abraçar as coisas menos com o cérebro e mais com o peito. ”

Harold expõe na Clearing, uma galeria de Bruxelas que tem uma filial no Brooklyn. Suas pinturas, que também podem ser muito grandes - tamanho mural - são vivas e totalmente imprevisíveis. Eles brincam com a escala de maneiras estranhas, e a maioria deles tem uma beleza irregular e resistente que sujeita as formas naturais a deslocamentos não naturais. “As pessoas tentam dar significado ao que fazem”, ele me diz. “O problema é que estamos cercados de significado, talvez até sobrecarregados de significado. Acho que é mais interessante remover o significado, porque nem tudo precisa de um motivo. ”

Ele continua: “A pintura direta está de volta aos holofotes, assim como a escultura. E não fazemos mais aquela separação boba entre figurativo e abstração. Artistas da geração anterior prepararam o terreno para nós, e agora você tem a sensação de que tudo é possível novamente. ”

Harold Ancart

Harold Ancart

Fotografado por Anton Corbijn,Voga, Setembro de 2016